рисунок еды как называется
10 самых известных картин, на которых изображена еда
Селедка, банка с супом, синяя женщина: известные художники любили не только есть, но и рисовать еду. Рассказываем о 10 самых известных картинах, которые могут вызвать аппетит или наоборот.
Энди Уорхол. «Банка с супом «Кэмпбелл», 1962 г.
Кстати, супы «Кэмпбелл» Уорхолл действительно очень любил и ел их прямо из банки.
2. Зинаида Серебрякова. «За завтраком», 1914 г.
Многие удивляются, почему на картине подают обед, ведь, судя по названию, речь идет о завтраке. Оказывается, в доме Серебряковых был принят европейский режим питания — утром подавали маленький завтрак, а в полдень — более плотный.
3. Кузьма Петров-Водкин. «Селедка», 1918 г.
Натюрморты Петрова-Водкина – документальная летопись эпохи. Их уникальность заключается в минимальном наборе предметов на столе, в игре с зеркальными поверхностями и ярких красках. На картине «Селедка» изображен скромный обед 1918 года — две картофелины, кусок хлеба и селедка на столе. Искусствоведы полагают, что красная скатерть символизирует «революционные будни».
В натюрмортах художник часто использовал зеркальные предметы – стаканы, самовар, чайник или просто зеркала. Его работы светлые и радостные, в них видно непосредственное восприятие мира и натуры художником. Среди известных работ с изображением еды также «Розовый натюрморт. Ветка яблони», «Натюрморт со стаканом, фруктом и фотографией», «За самоваром», «Фрукты».
4. Борис Кустодиев. «Купчиха за чаем», 1918 г.
С самого детства Борис был знаком с бытом купцов: его семья арендовала флигель в купеческом доме в Астрахани. С приходом большевиков закончились и годы счастливой юности, а дородные купчихи теперь жили только в памяти художника: «Живем мы здесь неважно, холодно и голодно, все только и говорят кругом о еде да хлебе… Я сижу дома и, конечно, работаю и работаю, вот и все наши новости».
«Купчиху за чаем» Кустодиев написал уже в 40-летнем возрасте. Изображенная на картине дама — его соседка по дому в Астрахани Галина Владимировна Адеркас, которая была настоящей баронессой из древнего рода.
5. Павел Федотов. «Завтрак аристократа», 1849-1850 гг.
Федотов называл свой жанр живописи «нравственно-критическими сценами из современной жизни». В его работах были важны детали, ведь они раскрывали истинный смысл сюжета. Если хорошо присмотреться, то именно предметы на картине «Завтрак аристократа» раскрывают характер и образ жизни персонажа. Аристократ пускает пыль в глаза: он окружен модными и дорогими вещами, но завтрак его очень скудный. Он впопыхах пытается прикрыть кусок черного хлеба книгой. Кстати, сам художник назвал свою картину «Не в пору гость». А уже после его смерти появилось нынешнее название.
6. Казимир Малевич. «Натюрморт», 1911 г.
Известный русский импрессионист до написания картины «Черный квадрат» долго искал себя и свой стиль. Он считал, что нужно нести искусство в жизнь, а не наоборот, и тогда жизнь станет поистине прекрасной. В исканиях он обращался к импрессионизму и кубизму: он любил яркие цвета, сильные и резкие эмоции. «Натюрморт» – как раз работа периода исканий. Художник выполнил его в технике «клуазоне»: французский стиль росписи, в котором большие пятна цвета замыкаются черными жирными линиями.
7. Илья Машков. «Натюрморт. Фрукты на блюде», 1910 г.
Художника называют «королем натюрмортов», а искусствоведы считают его родоначальником русской колористической традиции. Действительно, любимым жанром Машкова был натюрморт: на холстах можно встретить яркие тыквы, сочные лимоны, апельсины, нежные персики, сочный разрезанный ананас и многое другое.
«Натюрморт. Фрукты на блюде» стал началом его работы в этом жанре. Кстати, в свое время художники Анри Матисс и Валентин Серов рекомендовали эту картину меценату Морозову. Для Машкова это было настоящее признание.
8. Пабло Пикассо. «Любительница абсента», 1901 г.
Жизнь Пикассо началась очень необычно. По легенде, он родился слабым младенцем, и акушерка даже подумала, что он мертв. Однако дым от сигары дяди, который стоял рядом, пробудил ребенка.
9. Клод Моне. «Завтрак на траве», 1866 г.
Картина создана под впечатлением от скандального полотна Эдуарда Мане с одноименным названием. Общего у картин мало, кроме лесного пейзажа.
Для написания леса Клод выезжал на пленэр, а будущих героев рисовал сначала в мастерской, затем еще и на природе в виде этюдов. И только после этого в мастерской художник объединил все в одно целое. В первую очередь, картина завораживает своим солнечным светом, который проникает сквозь зеленое кружево листвы.
Художник расплатился «Завтраком на траве» за квартиру. Новый хозяин потерял часть картины и только спустя шесть лет Моне смог выкупить свою работу, восстановив утерянные фрагменты и переписав какие-то заново.
10. Поль Сезанн. «Натюрморт с бутылкой мятного ликера», 1895 г.
В своих натюрмортах Сезанн часто использовал яблоки, груши, луковицы, бутылки с вином, глиняные кувшины, чашки, корзины, разноцветные драпировки в холодных тонах. А еще французский живописец очень любил рисовать разные бутылки, и его предметы постоянно переходили из одной картины в другую.
Тайные символы на натюрмортах: О чём могут рассказать фрукты, цветы, свечи и другие предметы
Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.
1. Фрукты
Натюрморт итальянского художника эпохи барокко Караваджо изображает обычную корзину с фруктами, которая драматически выдвинута на передний план композиции с предельным реализмом. При ближайшем рассмотрении обнаруживается, что некоторые плоды гниют и поедаются червями, что может тонко раскрыть чувства художника по поводу продолжающейся протестантской реформации и католической контрреформации в Италии.
2. Memento Mori
Натюрморты vanitas, прославленные голландскими и фламандскими художниками XVI-XVII веков, выражают скоротечность жизни и тщетность материализма. Эта традиция также служила оправданием для рисования красивых и дорогих предметов вместо более откровенных нравоучительных сюжетов. Одним из наиболее тяжёлых символов, появляющихся в натюрмортах vanitas — это череп, который является ярким напоминанием о неизбежности смерти. Такой символ называется Memento Mori.
Ранний современный художник Поль Сезанн был известен тем, что экспериментировал с формой, цветом и перспективой в своих натюрмортах. Он начал включать черепа в свои композиции в течение последнего десятилетия своей жизни, возможно, указывая на растущее осознание своей собственной смертности.
3. Свечи
Постимпрессионистский натюрморт Винсента ван Гога с Библией проще и мрачнее его более известных работ. Ван Гог написал его незадолго до смерти своего отца, который был протестантским священником. На картине изображены потухшая свеча, библия, принадлежавшая его отцу, и современная светская книга. Рядом с двумя соседними книгами свеча может намекать на то, что художник пытался и не смог стать священником, как его отец, или она может относиться к надвигающейся смерти его отца.
4. Цветы
Рашель Рюйш была художницей натюрморта голландского Золотого века, получившей мировую известность благодаря своим тщательно продуманным и микроскопически детализированным натюрмортам с цветами. Она нарочно рисовала комбинации цветов, которые, в действительности, не могли все цвести в одно и то же время года. Это происходит потому, что каждый букет Рашель был тщательно разработан, чтобы раскрыть широту знаний, будь то передаваемые в конкретных типах цветов или их состоянии цветения.
5. Ракушки
Помимо того, что ракушки ассоциируются с женственностью, они могут символизировать рождение и удачу. В христианстве ракушки также символизируют крещение и воскресение. Раковины морских гребешков особенно ассоциируются со Святым Иаковом, одним из двенадцати апостолов Иисуса Христа, и концепцией паломничества. Устрицы были особенно популярны в натюрмортах голландского Золотого века и в то время не считались роскошной пищей. Как и другие раковины, они символизируют рождение и плодородие. Жемчуг является символом чистоты и совершенства. Спрятанная между раковинами устрицы, жемчужина представляет собой скрытое знание и осознание.
6. Зеркала
Натюрморт Роя Лихтенштейна с зеркалом исследует многовековую традицию через призму поп-арта конца девятнадцатого века. Предметы натюрморта Лихтенштейна, в том числе зеркало и корзина с фруктами, являются традиционными символами, которые зрителям предлагается рассматривать в современном контексте явлений массовой информации и поп-культуры.
7. Насекомые
В этом голландском натюрморте Золотого века Бальтазара ван дер Аста множество крошечных насекомых появляется по всей композиции. Хотя их включение и размещение может показаться случайностью, на самом деле это очень преднамеренно. Каждое насекомое обращает внимание на надвигающееся гниение плодов и цветов, которое из-за инвазии уже идёт полным ходом. Неизбежность разложения и смерти ещё больше подчёркивается опрокинутой корзиной и зловеще парящей над сценой стрекозой.
8. Музыкальные инструменты
Кубистическая мандолина и гитара Пабло Пикассо смело игнорируют большинство условностей натюрморта и его традиционной иконографии. Тем не менее, все же стоит рассмотреть символику струнных инструментов Пикассо — они могут представлять шум современной жизни или быстротечность стремительно развивающегося мира искусства двадцатого века.
9. Мёртвые животные
В этом испанском бодегоне начала семнадцатого века Хуан Санчес Котан использует мёртвую дичь, чтобы продемонстрировать противоречивые склонности человечества к мрачному и прекрасному. Такие картины могут также представлять удовольствие и удовлетворение от охоты, очарование добывания товаров или хрупкие отношения между людьми и природой.
10. Серебро и золото
Включение драгоценных металлов в натюрморты может продемонстрировать мастерство художника в точном изображении отражающих текстур или коллекции дорогих предметов мецената. В натюрморте vanitas золотые и серебряные украшения могут усилить напряжение между материализмом и моралью. В религиозных контекстах золото может указывать на то, что что-то является драгоценным, священным или долговечным. Подобно зеркалу, серебро может отражать душу человека по позитивным или негативным причинам. Золотые и серебряные предметы в натюрмортах также могут иметь националистическое значение, либо представляя особенности родины человека, либо демонстрируя его культурный опыт в международной торговле и путешествиях.
Натюрморт эпохи позднего барокко с серебром работы Александра-Франсуа Депорта представляет собой богато детализированную композицию предметов роскоши, принадлежавших владельцу картины. Депорту часто поручали королевские особы и элиты писать декоративные натюрморты своих обширных коллекций предметов, подчёркивая богатство покровителей и явно французский вкус.
Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:
Еда как вдохновение: топ-10 натюрмортов в истории живописи
Праздность и гедонизм, хлеб насущный и пир горой, накрытые столы, рынки и завтраки. Тема еды в живописи всегда была одной из самых популярных и вдохновляла многих художников на великолепные натюрморты. Со временем, изображение накрытого стола, ломящегося от яств или аскетичного, стало самостоятельным жанром.
В обзоре журнала об искусстве Точка ART — 10 натюрмортов, написанных в разное время выдающимися мастерами этого жанра.
Питер Артсен «Сцена на рынке», 1569
Питер Артсен «Сцена на рынке», 1569 © Hallwyl Museum, Stockholm
В XVI веке, придя на смену религиозным сюжетам, в жанровую живописи Нидерланд пришла еда — на столе, на рынке, на кухне. Питер Артсен, вошедший в историю мировой живописи как один из основоположников этого жанра, стал бытописателем повседневной жизни простолюдинов, крестьян, слуг, торговцев. Из картины в картину зритель попадает то в «Мясную лавку» (1551) или на «Обильную кухню» (1570), где столы ломятся от огромных окороков и рыбин, разделанных туш, коровьих голов и колбас, монументальных сырных голов и пирамид из овощей и фруктов; то на «Крестьянский праздник» (1951), где танцуют «Яичный танец» (1552), полный скрытых символов и смыслов; то в «Блинную» (1960) или к «Кухарке» (1559), осанкой, статью и взглядом похожую на императрицу и нанизывающую на вертел туши с видом величественным и грозным.
Рынок, со всеми его персонажами — продавщицей с овощами, торговцем дичью, мясником — отдельная тема Артсена, позволяющая бесконечное количество раз обыгрывать любимые сюжеты и сцены. Во всех его лавках и рынках всевозможная снедь занимает большую часть пространства и «играет» главную партию, в то время как человеческие персонажи отходят на второй план.
Флорис Ван Дейк «Натюрморт с сырами», 1615
Флорис Ван Дейк «Натюрморт с сырами», 1615 © Rijksmuseum, Amsterdam
«Breakfast piece», так называется тип натюрморта, зародившегося в 1610 году в Харлеме и Антверпене. Флорис Ван Дейк был одним из первых, кто начал рисовать эти «части завтрака», столы, сервированные на одного человека, при этом еда на них столь обильна, что ею вполне можно было накормить большую компанию: пирамида из сырных голов возвышается в центре стола, накрытого восточной скатертью; рядом стоят корзины с фруктами и хлебами, тарелки с маслинами и орехами, кувшин и бокалы с вином. Иллюзия реальности поразительна; недаром в XVII веке Теодор Шревелиус писал: «Это Флорис ван Дейк, который может заманить и поймать страстных женщин и даже птиц своей художественной кистью».
Франс Снейдерс «Фруктовая лавка», между 1618-1621
Франс Снейдерс «Фруктовая лавка», между 1618-1621 © Государственный Эрмитаж
«Фруктовая лавка» входит в серию из четырех картин фламандского художника, знаменитого своими потрясающе изобильными натюрмортами: «Лавка дичи», «Овощная лавка» и «Рыбная лавка». Фламандский натюрморт — это праздник жизни, торжество природы. В своих натюрмортах Снейдерс не только воспевал изобильную природу, но и зашифровывал в них разные смыслы. В «Фруктовой лавке» все имеет свое символическое значение: и знатная дама, выбирающая персики, и лающая у ее ног собачка, и обезьянка, опрокидывающая корзину с фруктами. И конечно, невозможно оторвать взгляд от массивного деревянного прилавка, ломящегося от корзин со всеми мыслимыми фруктами. Кажется, все, что растет и плодоносит, есть во «Фруктовой лавке»: виноград и смоква, гранаты и апельсины, лимоны и сливы, черешня и груши, персики, яблоки и ежевика. «Полная драгоценных яств кладовая», — так называл картины Снейдерса Левинсон-Лессинг.
Джузеппе Арчимбольдо «Лето», 1573
Джузеппе Арчимбольдо «Лето», 1573 © Musée du Louvre, Paris
Итальянский живописец, декоратор, маньерист, Джузеппе Арчимбольдо был одним из самых замечательных насмешников своего времени. Он создавал портреты, но так, как прежде никто не делал. Его портреты смело можно назвать и натюрмортами, ведь «лица» на них собраны, наподобие мозаики, из фруктов, овощей, птичьих перьев, рыбьих плавников, грибов и травы. Люди эпохи Возрождения любили головоломки, загадки и всевозможные странности, так что Арчимбольдо не был более странным, а просто потакал вкусам своего времени.
«Лето» — одна из четыре картин цикла «Времена года», символизирующая этапы человеческой жизни: юность, молодость, зрелость и старость. Юность жизни у Арчимбольдо состоит из сочных и спелых фруктов, овощей и ягод — айвы, персиков, вишни, винограда, малины и ежевики, огурца, помидора и баклажана, в обрамлении колосьев пшеницы.
При жизни Арчимбольдо бы невероятно популярен, но после смерти на долгие годы впал в забвение. Интерес к его творчеству снова появился в 30-е годы ХХ века и уже не ослабевал. Картины Джузеппе Арчимбольдо можно найти музеях Вены, Инсбрука, Мадрида, в парижском Лувре и Галерее Уффици, в Швеции и США.
Жан Батист Симеон Шарден «Натюрморт с фарфоровым кувшином, гранатом и виноградом», 1763
Жан Батист Симеон Шарден «Натюрморт с фарфоровым кувшином, гранатом и виноградом», 1763 © Musée du Louvre, Paris
В эпоху, когда французская живопись была известна своим величием и декоративными украшениями, натюрморты и жанровые сцены Жана-Батиста-Симеона Шардена удивляли своей простотой и скромностью. А еще они всегда были почти математически выверены: все предметы на картинах аккуратно и тщательно расставлены, нет ни одной небрежной детали. Но несмотря на непритязательность, натюрморты Шардена очаровательны. «Кто-то пишет красками, а кто-то — чувством». Эти слова художника о живописи в самой большой степени относятся к его картинам.
Мир домашних, обжитых вещей под кистью художника оживает, показывая зрителю повседневную жизнь парижан третьего сословия. За мизансценой — кувшин с вином, два бокала, фрукты — угадывается часть этой повседневности, с укладом, традициями, событиями, которые можно проживать вдвоем. «Манера Шардена своеобразна. У нее есть общее с наброском, о котором вблизи не знаешь, что это такое; по мере удаления вещь оформляется, и, наконец становится самой природой», — так говорил о живописи Шардена Дени Дидро.
Иван Хруцкий «Грибы, рыба и овощи», 1838
Иван Хруцкий «Грибы, рыба и овощи», 1838 © Киевский национальный музей русского искусства
Иван Фомич Хруцкий, русский живописец второй половины XIX века, наиболее известен в отечественном искусстве как мастер «цветов и плодов», иными словами, как создатель чудесных натюрмортов. В них — связь с художественными традициями, а также «живописная тщательность» кисти, вызывавшая ассоциации с картинами старых мастеров. «Грибы, рыба и овощи» по настроению, цветовому решению и стилю максимально близки к голландскому натюрморту XVII века.
Глядя на «Грибы, рыба и овощи», можно почти физически ощутить свойства каждого из изображенных предметов: шершавость лукошка, замшевую мягкость грибных шляпок, прохладный бок рыбины и гладкость медного блюда. Можно даже почувствовать запах леса, еловой хвои, реки, жизни рядом с природой, в гармонии с ней.
Пьер Огюст Ренуар «Лук», 1881
Пьер Огюст Ренуар «Лук», 1881 © Институт искусств Стерлинга и Франсин Кларк, Williamstown
Натюрморт в творчестве импрессионистов занимал не главную роль, но, тем не менее, встречается почти у всех художников этого направления. Ренуар — не исключение, за жизнь он написал 1880 натюрмортов!
Фруктово-овощные миксы Ренуара не всегда реалистичны с точки зрения гастрономической совместимости, но всегда восхитительны по цвету, свету и «вкусу». Он писал натюрморты сразу по окончании очередного портрета, чтобы отдохнуть и перезагрузиться, отчасти поэтому все они такие очаровательные и легкие. Натюрморт «Лук» прост и аскетичен. Шесть луковиц и две головки чеснока выписаны мастерски, текстура всех предметов выписана виртуозно, круглые луковые бока кажутся лакированными. Несмотря на простоту, в натюрморте ощущается жар и яркость Средиземноморья — картина была написана Ренуаров во время путешествия по Италии.
Борис Кустодиев «Купчиха за чаем», 1918
Борис Кустодиев «Купчиха за чаем», 1918 © Государственный Русский музей
Трудно представить, что душевное и колористически щедрое, светоносное искусство Кустодиева сохранило свои удивительные качества даже в ту пору, когда болезнь лишила его возможности двигаться. Но художника, по его же словам, спасала «чудесная страна воспоминаний» — сюжеты и люди уже ушедшей, но не утратившей свой терпкий аромат жизни. «Купчиха за чаем», написанная Кустодиевым в голодном Петрограде 1918 года — замечательный и характерный пример такого образного воспоминания о пышных красавицах, о теплых лазоревых вечерах, о ритуалах торжественных чаепитий, о жизни такой прекрасной в ее неторопливости и размеренности.
В этом натюрморте Кустодиева всего в избытке, всего вдосталь, но эта избыточность не кажется вульгарной. Мраморные плечи дородной купчихи, огромный сверкающим самовар, очевидно пышущий жаром, истекающий сахарным соком арбуз соседствует на столе с выпечкой и фруктами, кот, ластящийся к хозяйке, — это не лубок, а воплощенная на холсте мечта. Мечта о жизни, которая могла бы быть такой.
Кузьма Петров-Водкин «Утренний натюрморт», 1918
Кузьма Петров-Водкин «Утренний натюрморт», 1918
© Государственный Русский музей
Предметный мир натюрмортов Петрова-Водкина, как некая внутренняя вселенная, очень точно показывает настроение окружающего мира. Глядя на неодушевленные предметы, лежащие на столе (единственным «живым» персонажем картины является собака, но ее замечаешь в последнюю очередь), сразу чувствуешь настроение этого утра. Кажется, за столом кто-то только что сидел и отошел на минуту, оставил недопитый стакан с чаем, не притронулся к еде. Впереди целый летний день, в котором, возможно, будет небольшое путешествие, может быть даже приключение — на столе мы видим фонарик и спички. Верный пес не отходит от стола, в ожидании хозяина и, возможно, какого-то лакомства.
Возможно, за границами этого идиллического фрагмента, находится что-то более суровое, не видимое нам, и можно бесконечно фантазировать на тему предполагаемых событий этого летнего дня, очевидно лишь то, как мастерски Петров-Водкин простым языком вещей смог рассказать жизнь, со всеми ее радостями и тревогами.
Зинаида Серебрякова «На кухне. Портрет Кати», 1923
Зинаида Серебрякова «На кухне. Портрет Кати», 1923 © Музей изобразительных искусств, Нижний Тагил
Зинаида Серебрякова — одна из первых и наиболее любимых публикой в России профессиональных художниц, мирискусница «новой волны». В своем творчестве она создала множество обаятельных и милых женских и детских образов, много рисовала мужа, себя, детей, передавая атмосферу своего дома и теплоту домашней обстановки. Почти все семейные портреты представлены как жанровые сцены, в которых большую роль играет натюрморт. «На кухне» — не исключение.
Самое сложное в детском портрете — не скатиться в кукольность и сентиментальность. Серебряковой удалось избежать этого, дети на ее картинах не играют какую-то определенную роль, навязанную взрослыми, а живут своей важной жизнью, в которой множество разных серьезных и интересны дел. Именно так изображена на картине и младшая дочь художницы, Катя. Привычный быт здесь возведен в ранг красоты и гармонии, все настолько пронизано любовью и теплом, что даже рыбины на переднем плане не кажутся холодными. То, с какой почти идеализированной реалистичностью выписаны все детали натюрморта, говорит нам: в домашнем, семейном кругу не бывает неважных мелочей, все значимо и ценно.